① 怎樣用PS進行色彩採集和色彩重構呢
PS的話，就對圖片進行一定量的模糊，然後用吸管工具採集顏色，就這樣，，，
提取配色，我一般用一些配色軟體，導入圖片然後就可以提取顏色值了（個人覺得這樣比較方便，而且准確，）
我用的是ColorSchemer Studio，，你網路一下吧，有很多種配色軟體的，都很小，，希望可以幫到你
② 陳堅的畫家陳堅水彩作品欣賞
陳堅生長在海邊，有著海一般廣闊的胸懷，大海也成為了他藝術創作的重要題材之一。以海的包容慰藉心靈，以海的浪漫盪滌心靈，陳堅筆下的大海，充滿了海的深邃與靈性。他功底扎實，用筆凝練，用色大膽，收放自如，這使他成為了當代中國水彩畫界當之無愧的領軍人物 。然而，他深知繪畫是一門永無止境的學問，在創作中始終抱著謙恭好學的態度，漸行漸深，在不斷地否定、總結、創新、發展中磨礪自我，畫意盡在其中。
陳堅，1959年出生於青島。《當代中國水彩》執行主編。第八、九屆全國水彩、粉畫展評委。第十一屆全國美術作品展評委。第三、四屆全國青年美術作品展評委。上海朱家角國際水彩畫雙年展總評委。中國美術家協會會員、北京美術家協會水彩畫藝術委員會副主任 、北京水彩畫學會副主任、中國美術家協會水彩畫藝術委員會秘書長。
看陳堅先生的繪畫，一方面驚嘆於他繪畫技法的日臻成熟，另一方面總是被作品中的藝術感染力所打動。
多年以來，他的繪畫主題堅持以人物和風景為主，創作了大量的水彩作品。隨著他對藝術認識的不斷深化，作品內容也從具有獵奇與具體的題材開始，逐漸將具體「地點」與「時間」的線索悄悄抽離，畫面變得平實、淡定，帶有一種無法被描述的「永恆」之感。
陳堅的人物畫以描繪新疆塔吉克族為主。在他以往的作品中，人物的身後總帶有遠山、馬、草地之類的背景，因而使得人物仍然存在於時間與特定空間的緯度之中。作品塔吉克族人的形象直接充滿整個畫面，人物頭部與身體的造型經過適度的誇張，變得具有張力，在人物的造型和色彩上，概括提煉到非常簡約的程度。他不再著力描摹人物細節和消失掉的背景，使我們更多地感受到人物整體所傳達出的意象，陳堅繪畫中的視覺力量，已深刻地凸顯出來。
相對於人物繪畫而言，陳堅作品中另一個重要主題就是大海。出生於青島的他，成長在海邊，對大海有著非同一般的情感，每次遇到困惑就會面對大海，抒寫生活與情感的變化。陳堅畫的海曾經「波瀾壯闊」，但今天眼前的這片大海，則成為陳堅內心世界的一個載體，展示著藝術家的寬廣情懷，是一片具有特殊象徵意義的海。在大海寧靜又曠遠的水面之下，流淌著藝術家深沉的情感。當大海的表象特徵逐漸地被消減時，時間彷彿也在不斷退後，只留下陳堅獨自佇立的身影，將對人生的理解凝聚成這一片深沉與涌動的色彩。
陳堅的作品體現著藝術家的雙重性特徵。人物繪畫來自於他對外在世界的視覺感受，他畫大海則更多地向內心的回望與自省。向外與向內，共同構成一個完整的藝術世界。陳堅作為一個優秀的藝術家，他的內心世界已經掙脫了事物表層情境的束縛，到達一片自由的廣袤的和諧之地。
③ 色彩構成的採集與重構，畫兩幅畫，什麼是採集，什麼是重構，這幅屬於採集還是重構
色彩構成是色彩的相互作用，從人對色彩的知覺和心理效果出發，用科學分析的方法，把復雜的色彩現象還原為基本要素，利用色彩在空間、量與質上的可變幻性，按照一定的規律去組合各構成之間的相互關系，再創造出新的色彩效果的過程。色彩構成是藝術設計的基礎理論之一，它與平面構成及立體構成有著不可分割的關系，色彩不能脫離形體、空間、位置、面積、肌理等而獨立存在。
這幅畫上面顏色屬於採集 下面屬於重構
④ 我要一些簡單抽象畫 拜託 急急急急急急
你說的那些畫家有很多經典的作品畢加索的《哭泣的女人》等，梵高有很多，他的畫都很經典，屬於傳世名作啊，這些畫家供你參考
康丁斯基（W.Kandinsky,1866～94），抒情抽象派代表畫家，曾是德國表現主義團體「藍騎士」的領導者。代表作《構成第四號（戰爭）》（1911，杜塞爾夫萊茵河西發里亞藝品收藏室）、《構成第七號習作》（1913，莫斯科Tretyakov畫廊）。
蒙德里安（P.Mondrian, 1872～1944），幾何抽象派代表畫家，在平面上把橫線和豎線加以結合，形成直角或長方形，並在其中安排紅、黃、藍三原色，但有時也用灰色，是荷蘭風格派（de Stijl）的主將，代表作《黃與藍的構成》（1929）、《百老匯爵士樂》（1942～43，紐約現代美術館）。
馬列維奇（K.C.Malevich, 1878～1935），俄國構成主義倡導者，也是幾何抽象派畫家，代表作《飛機起飛》（1915，紐約現代美術館）、《青色三角形與黑色長方形》（1915）。
庫波卡（F.Kupka 1871～1957），捷克畫家。運用色彩理論和音樂式和諧造成獨特的幾何風格，例如《繪圖構成主題二》（1911～12，華盛頓國家畫廊）、《垂直線語系習作》（1911）。
克利（P.Klee，1879～1940），瑞士畫家。運用色彩調和及抽象的手法，創作了許多含有哲理性和富稚拙趣味的作品，例如：《金魚》（1925，油彩加水彩，紙裱在卡紙板上，48.5×68.5cm，漢堡美術館）、《幹道與支道》（1929，油畫，布，83×76cm，科隆，里伯爾茲美術館）、《死與火》(1940，油畫，83×67cm，科隆，里伯爾茲美術館)。
⑤ 印象主義畫家又分為重光和色彩與重造型和素描兩種類型
印象派繪畫(Impressionism)是西方繪畫史上劃時代的藝術流派，19世紀七八十年代達到了它的鼎盛時期，其影響遍及歐洲，並逐漸傳播到世界各地，但它在法國取得了最為輝煌的藝術成就。19世紀後半葉到20世紀初，法國涌現出一大批印象派藝術大師，他們創作出大量至今仍令人耳熟能詳的經典巨制。其代表作品中，馬奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、梵谷的《向日葵》等更是鼎鼎大名。
印象派是19世紀後半期誕生於法國的繪畫流派,其代表人物有莫奈、馬奈、卡米耶·畢沙羅、雷諾阿、 西斯萊、德加、莫里索、巴齊約以及保羅·塞尚等。他們繼承了法國現實主義(Realism)前輩畫家庫爾貝「讓藝術面向當代生活」的傳統,使自己的創作進一步擺脫了對歷史、神話、宗教等題材的依賴,擺脫了講述故事的傳統繪畫程式約束,藝術家們走出畫室,深入原野和鄉村、街頭,把對自然清新生動的感觀放到了首位,認真觀察沐浴在光線中的自然景色,尋求並把握色彩的冷暖變化和相互作用,以看似隨意實則准確地抓住對象的迅捷手法,把變幻不居的光色效果記錄在畫布上,留下瞬間的永恆圖像。這種取自於直接外光寫生的方式和捕捉到的種種生動印象以及其所呈現的種種風格,不能不說是印象派繪畫的創舉和對繪畫的革命。印象派美術運動的影響遍及各國,獲得了輝煌的成就。直到今天,他們的作品仍然是人類最受歡迎的藝術珍寶。
印象派，也叫印象主義，19世紀60—90年代在法國興起的畫派。當時因克勞德·莫奈的油畫《日出·印象》受到一位記者嘲諷而得名。1874年第一屆印象派畫展在巴黎卡皮西納大道的一所公寓里舉辦,有31位印象派畫家參展。
1874年，有一群年輕的畫家在巴黎組織了一個他們自己的畫展，來向官方的沙龍挑戰。包括莫奈、雷諾阿、畢沙羅、西斯萊、德加、塞尚和莫里索等在內的畫家們不僅有各異的性格和天賦，而且在某種程度上他們還具有不同的觀念和傾向，但是，他們誕生在同樣的時代，有著同樣的經歷，並且向同一的反對派斗爭過。他們欣然接受一些雜志的諷刺文章作家封給他們帶著嘲笑味道的稱號——「印象派」。 《吹短笛的男孩》，又稱吹笛少年，1866年 ,160x98cm ,布 油彩 ,巴黎 奧賽博物館 ,愛德華·馬奈 法國 《吹笛少年》畫中描繪的是近衛軍樂隊里的一位少年吹笛手的肖像。畫家在探索形與色的統一時，注意到人物個性特徵的刻畫。在色彩上追求一種穩定的、幾乎沒有變化的亮面，然後突然轉入暗部，將人物置於淺灰色、近乎平塗的明亮背景中進行描繪，用比較概括的色塊將形體顯示出來。在這幅畫中沒有陰影，沒有視平線，沒有輪廓線，以最小限度的主體層次來作畫，否定了三度空間的深遠感。杜米埃說過馬奈的畫平得像撲克牌一樣。 自然主義作家左拉曾在這幅《吹短笛的男孩》面前贊嘆道：「我相信不可能用比他更簡單的手段獲得比這更強烈的效果的了。」雖然現在看來，這幅畫給人帶來的震撼並未見得有多強烈。然而在馬奈那個時代，這幅畫的好處恰恰在於叛逆，不合當時的禮教。第一沒什麼內容，第二沒有什麼深意，就是個小男孩，什麼都不代表，什麼都不說明。而且馬奈畫的時候非常快，完全變革了以前的畫法！當時官方沙龍展的評委們都不願意收這幅作品，誰又想到100多年後，這幅畫市值8億人民幣。 權威評價：19世紀60年代，剛剛擺脫第一任老師庫圖爾的權威的馬奈，又遭到同時代人的不理解，他在沙龍中經歷了好幾次失敗。他在室內作的與實體同樣大小的人物繪畫給人一種奇怪的印象，遭到許多批評，例如這幅《吹短笛的男孩》，被1866年的官方沙龍展的評判委員會拒絕。 這幅畫表現一個皇家衛隊的年輕輕騎兵正在吹短笛，這是一種聲音尖銳的木製小笛子，它用於引導士兵投入戰斗，笛子的名稱成了畫的題目。由一兒童在畫家的畫室里扮演的樂師占據了畫的中心位置。他清楚地顯現在色調細微變化的灰底色上，畫底沒有給出一個確切的空間，僅僅給人一種空氣在他的周圍流動的印象。畫家在他的肖像畫中常常使用的這種中性的不可觸知的背景，是受黃金時代的西班牙畫家，尤其是貝拉斯克斯和牟利羅的啟迪，馬奈不久前去馬德里旅行期間，對他們大加贊揚。由於想讓被畫對象看起來是孤立的，避免造成這是在遊行或軍事訓練現場創作的印象，馬奈沒有加進任何軼事性背景成分。孩子、服裝及短笛構成畫的惟一主題。畫是在畫室的冷光線中完成的，這一點從投到地上的短影可以得到證實。 馬奈很早就參軍了，是一名水兵，他以憐憫的目光看著這個孩子兵，為因畫畫需要而穿上的這身行頭感到驕傲。他的全部注意力都集中在這身由紅、黑、白、金色裝飾的完美軍服和短笛的金色金屬套上。用白色布帶束住的樂管在男式緊身短上衣的深色呢絨上和褲子的茜紅色呢上閃閃發亮，短上衣上飾有銅紐扣。緊束孩子的上半身的布帶形成一道亮光，與白色的鞋罩相映襯。只有孩子的臉和手有生氣，與有點僵硬、看不出細節的側影形成明顯的對照。馬奈的同時代人指責這缺少厚度，處理過於簡單，像是厄比納爾城印出來的天真的民眾像。背景與人物之間沒有配景，也沒有聯系，這些也使人物顯得不真實。人物用大色點處理，很像撲克牌上的人頭像和日本的銅版畫。馬奈的《吹短笛的男孩》今天普遍受到好評，這幅畫是馬奈對很少被印象派畫家畫的軍隊主題的一個無視傳統觀念的挑戰。
這幅畫的朴實無華證實了藝術家的現代性，他是一切陳規之敵，他通過其作品表達一種新的世界觀。「我相信不可能用比他更簡單的手段獲得比這更強烈的效果的了。」自然主義作家左拉在《吹短笛的男孩》面前贊嘆道。 馬奈簡介： 馬奈Adouard Manet(1832-1883)是法國印象主義畫派中的著名畫家，是亨利·凡汀·拉圖爾的《巴迪儂畫室》畫作中位於中間的那個人，他對歐洲繪畫的發展有重要貢獻；盡管他從來沒有參加過印象派畫家的聯合展覽，仍被認為是印象主義畫派的奠基人，很早就被後來的印象派畫家們視為大師。這些畫家比馬奈年輕10歲左右。盡管馬奈得到了這個尊稱，盡管他與這些年輕畫家保持著友好關系並同他們一起外出寫生，他卻始終拒絕參加印象派組織的畫展。由於希望得到官方的承認，他從1859年開始定期將畫作送給沙龍評審委員會審查。他參加沙龍的運氣時好時壞：有時他成功地被接受，如當他於1861年在沙龍上展出一幅名為《彈吉他的人》的畫作時（現存於美國紐約大都會藝術博物館），有時又被輕蔑地拒之門外，如當他於1866年向沙龍提交一幅名為《吹短笛的男孩》的畫作時。 馬奈的成就主要體現在人物畫方面，第一個將印象主義的光和色綵帶進了人物畫，開創了印象主義畫風。馬奈早年受過學院派的六年教育，後又研究許多歷代大師的作品，他的畫既有傳統繪畫堅實的造型，又有印象主義畫派明亮、鮮艷、充滿光感的色彩，可以說他是一個承上啟下的重要畫家。他的作品（尤其是肖像畫）很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用幾乎沒有影子的平面人物畫法，表現人物的實在，從這里我們可以看到莫奈的才氣和自負感。此畫明顯帶有日本浮世繪版畫的影響。 印象主義Impressionnism（1874-1886）：不依據可靠的知識，以瞬間的印象做畫。畫家們是抓住一個具有特點的側面去做畫，所以他們必須疾飛畫筆把顏色直接塗在畫布上，他們只能多考慮畫的總體效果，較少的顧及枝節細部。印象主義的以粗放的筆法做畫，作品缺乏修飾，是一種外表草率的畫法。印象主義採取在戶外陽光下直接描繪景物，追求光色變化中表現對象的整體感和氣氛的創作方法，主張根據太陽光譜所呈現的赤橙黃綠青藍紫七種顏色去反映自然界的瞬間印象，印象主義的作品選擇的題材面比較廣泛，無論是在城市或是在鄉村，畫家都試圖捕捉到瞬息多變的大自然。
在藝術觀點上，印象主義畫家反對當時占正統地位的古典學院派，反對日益落入俗套、矯揉造作的浪漫主義繪畫(Romanticism)，而是在C.柯羅、巴比松畫派和G.庫爾貝等人的寫實畫風的推動下，吸收荷蘭、英國、西班牙、日本、中國等國家繪畫的營養，同時受現代科學，尤其是光學的啟發，認為一切色彩皆產生於光，於是他們依據光譜赤橙黃綠青藍紫七色來調配顏色。由於光是瞬息萬變的，他們認為只有捕捉瞬息間光的照耀才能揭示自然界的奧妙。因此在繪畫中注重對外光的研究和表現，主張到戶外去，在陽光下依據眼睛的觀察和現場的直感作畫，表現物象在光的照射下，色彩的微妙變化。由此印象主義繪畫在陰影的處理上，一反傳統繪畫的黑色而改用有亮度的青、紫等色。印象派繪畫用點取代了傳統繪畫簡單的線與面，從而達到傳統繪畫所無法達到的對光的描繪。具體的說，當我們從近處觀察印象派繪畫作品時，我們看到的是許多不同的色彩凌亂的點，但是當我們從遠處觀察他們時，這些點就會像七色光一樣匯聚起來，給人光的感覺，達到異想不到的效果。
由於個人的興趣不同，印象主義畫家又分為重光和色彩與重造型和素描兩種類型，前者以莫奈、雷諾阿為代表，後者以德加為代表，卡米耶·畢沙羅則介於兩者之間。
由於追求外光和色彩的表現，印象主義畫家主要把身邊的生活瑣事和直接見聞作為題材，多描繪現實中的人物和自然風景。在構圖上多截取客觀物象的某個片斷或場景來處理畫面，打破了寫生與創作的界限。
印象主義畫家先後舉辦了8次展覽，前兩次均受到當時輿論界的猛烈抨擊，以後逐漸成為具有很大影響的美術流派，並擴大到其他藝術領域。印象主義繪畫在形成和發展過程中，曾得到E.馬奈的支持與鼓舞。
作為一種美術思潮，印象主義繪畫在世界美術史上具有重要地位，它推動了以後美術技法的革新與觀念的轉變，對歐美、日本乃至中國的畫家產生過或大或小的影響。
⑥ 色彩的採集和重構，說明怎麼寫急
思路：通過對實體事物科學地解說，對客觀事物做出說明或對抽象事理的闡釋，使人們對事物的形態、構造、性質、種類、成因、功能、關系或對事理的概念、特點、來源、演變、異同等能有科學的認識，從而獲得有關的知識。
正文：
一、色彩的採集與重構的構成方法，是在對自然色和人工色彩進行觀察、學習的前提下，進行分解、組合、再創造的構成手法。也就是將自然界的色彩和由人工組織過的色彩進行分析、採集、概括、重構的過程。
1、是分析其色彩組成的色性和構成形式，保持原來的主要色彩關系與色塊面積比例關系。保持主色調，主意象的精神特徵，色彩氣氛與整體風格。
2、打散原來色彩形象的組織結構，在重新組織色彩形象時，注入自己的表現意念，是構成新的形象、新的色彩形式。
二、色彩的採集：藝術大師畢加索說過：「藝術家是為著從四面八方來的感動而存在的色庫，從天空、大地，從紙中、從走過的物體姿態、蜘蛛網……我們在發現它們的時候，對我們來說，必須把有用的東西拿出來，從我們的作品直到他人的作品中，」可見，從平凡的事物中去觀察、發現別人沒有發現的美，逐步去認識客觀色彩中美好的色彩關系，和借鑒美好的形式，將原色彩從限定的狀態中走出。注入新的思維，重新構成，使它達到完整的、獨立的、富有某種意義的創作目的。
色彩的採集范圍相當廣泛。一方面，借鑒古老的民族文化遺產，從一些原始的、古典的、民間的、少數民族的藝術中祈求靈感；另一方面中從變化萬千的大自然中，以及那些異國他鄉的風土人情，各類文化藝術和藝術流派中吸取養份。
⑦ 介紹幾個著名畫家的作品，可以黏貼
莫奈
印象派代表畫家
1872年，莫奈創作了揚名於世的 「日出·印象」。這幅油畫描繪的是透過薄霧觀望阿佛爾港口日出的景象。直接戳點的繪畫筆觸描繪出晨霧中不清晰的背景，多種色彩賦予了水面無限的光輝，並非准確地描畫使那些小船依稀可見。真實地描繪了法國海港城市日出時的光與色給予畫家的視覺印象。由於它突破了傳統畫法的束縛，有位批評家就借用詞畫的標題，嘲諷以莫奈位代表的一批要求革新創造的青年畫家位「印象主義」，這一畫派以此得名。這幅畫在1874年3月25日開幕的印象派畫家第1次聯合展覽會上展出，這幅作品是莫奈畫作中最具典型的一幅。
代表作《日出·印象》《乾草垛》《阿爾讓特伊大橋》《阿爾讓特伊的帆船》《魯昂大教堂》《睡蓮》
保羅·塞尚
塞尚是印象派到立體主義派之間的重要畫家。
塞尚重視繪畫的形式美，強調畫面視覺要素的構成秩序。這種追求其實在西方古典藝術傳統中早已出現。而塞尚始終對古典藝術抱著崇敬之情。他最崇拜法國古典主義畫家普桑。他曾說：「我的目標是以自然為對象，畫出普桑式的作品。」他力圖使自己的畫，達到普桑作品中那種絕妙的均衡和完美。他向著這方面，進行異常執著的追求，以致於對傳統的再現法則不以為然。他走向極端，脫離了西方藝術的傳統。正是如此，他被人們尊奉為「現代繪畫之父」
《坐在紅扶手椅里的塞尚夫人》 《甜烈酒》《那不勒斯的午後》《埃斯泰克的海灣》、《靜物蘋果籃子》、《聖·維克多山》、《玩牌者》、《穿紅背心的男孩》
卡米耶·畢沙羅
法國印象派大師
1830 （出生） 7月10日，傑考布.亞伯拉罕.卡米耶.畢沙羅（Jacob Abraham Camille Pissarro )生於法國聖托馬斯（Charlotte Amalie, St. Thomas）。母親是蕾切爾.瑪匝娜-坡美（Rachel Manzana-Pomié），父親亞伯拉罕.加百列.畢沙羅（Abraham Gabriel Pissaro）是一個葡萄牙-西班牙系猶太人。
1842 （12歲） 少年畢沙羅離開聖托馬斯前往法國巴黎的一所寄宿學校學習。
1852 （22歲） 畢沙羅同丹麥大師弗里茲.梅爾貝（Fritz Melbye）行至委內瑞拉。
1855 （25歲） 畢沙羅再度前往巴黎，在許多著名學院（諸如École des Beaux-Arts 和 Acaidémie Suisse）和繪畫
大師（Jean-Baptiste-Camille.柯羅 和 Charles-François.杜比尼）處求學。
1870 （40歲） 普法戰爭爆發，畢沙羅被迫逃離在路維希安（Louveciennes）的家。
1871 （41歲） 畢沙羅返迴路維希安，發現自己的寓所已被普魯士士兵徹底摧毀。畢沙羅決定攜家人至倫敦避難。
1893 （63歲） 杜蘭-德魯（Durand-Ruel）在巴黎舉辦了一個大型畫展，其中包括46副畢沙羅的畫作。
1903 （73歲） 11月13日，畢沙羅在巴黎逝世，葬於拉雪茲公墓(Père Lachaise Cemetery )。
畢沙羅自幼便對藝術表現出濃厚興趣，但直至二十五歲才有機會到巴黎接觸藝術界。他在巴黎結識了畫家柯羅，後來又在私人畫室認識了莫奈、塞尚、巴齊耶、雷諾阿和西斯萊。他早期所繪畫的巴黎風景，在 1864 至 1870 年間均入選官方畫展。 1870 年，他去了倫敦逃避戰火；回國後，他的作品便開始不再被官方沙龍接納，自此，他的命運就和印象派畫家緊緊扣在一起。與其他印象派畫家一樣，他的作品同樣受日本藝術所影響。他以明亮的色彩和顫動的筆觸來表現當代的風景。
懷著強烈的好奇心，畢沙羅還不斷探索新的技法。 1885 至 1890 年間，他跟隨了畫家秀拉(Georges-Pierre Seurat)以點描法(Pointillism)繪畫，但後來又重拾原來的技巧。 1892 年，畫商杜朗 — 盧埃爾為他舉辦了大型回顧展。此後，畢沙羅潛心描繪城市景緻，尤其喜歡以俯瞰的角度捕捉巴黎的街景，把焦點集中在熙熙攘攘的大街小巷上，而這類作品終為他贏得國際聲譽。
卡米耶·畢沙羅（1830－1903）堪稱印象派團體中的「中流砥柱」，盡管其他幾位印象派大師的「社會知名度」比他大，但總體作用仍有所不同。
塞尚、高更等都稱自己是畢沙羅的學生。他是唯一參加了印象派所有8次展覽的畫家。不管外界有多大的壓力，也不管內部有多大的紛爭，畢沙羅靜靜地堅守著，先後吸引了塞尚、高更、修拉、西涅克等參加聯展。
出身商人之家的卡米耶·畢沙羅不願隨父親經商。但到了法國學畫，他生活窘困，畫賣不掉，不得不做油漆匠來謀生。但他說：「繪畫使我快樂，它是我的生命，其他無關緊要。」作家左拉在看過他1867年的《雅萊山，蓬圖瓦茲》後，稱他是「我們這個時代三四位大畫家之一。他的筆法堅實粗放，有大師的傳統。這樣美麗的畫幅只能出自一個誠實者之手。」
畢沙羅也曾一度追慕點彩派創始人喬治·修拉的風格，並以這種技法畫了一些作品，但不久以後便認識到，點彩技術不適合自己的氣質，還是要誠實地以自己的風格來創作。這幅1873年畫的《蓬圖瓦茲：埃爾米塔日的坡地》，彷彿能讓人嗅到鄉村清新氣息。那專注於農時的老農，讓人覺得有點像畢沙羅本人。60歲後的他，生活有所改善，但是因腿疾而不能行走，就天天在窗邊作畫，直到病逝
《塞納河和盧浮宮》、《雪中的林間大道》、《蒙福科的收獲季節》、《艾拉尼的瘋人院》、《埃爾米塔日花園的一角》《蓬圖瓦茲附近的艾尼麗街》《蓬圖瓦茲：埃爾米塔日的坡地》
拉斐爾
拉斐爾,（1483——1520）是義大利傑出的畫家，和達·芬奇、米開朗琪羅並稱文藝復興三傑之一，也是三傑中最年輕的一位。他的作品博採眾家之長，形成了自己獨特的風格，代表了當時人們最崇尚的審美趣味，成為後世古典主義者不可企及的典範。
達·芬奇的藝術深沉、含蓄、富有理智、充滿智慧；米開朗基羅的藝術博大、雄偉、富有激情、充滿力量；而拉斐爾的藝術則以優雅、秀逸、和諧、高度的完美為標志。拉斐爾·桑蒂1483年生於義大利山區的烏爾比諾小公園。父親喬萬尼·桑蒂是烏爾比諾大公的御用畫家，拉斐爾的啟蒙教師。
《聖母的婚禮》、《帶金鶯的聖母》、《草地上的聖母》、《花園中的聖母》、《西斯廷聖母》、《椅中聖母》、《福利尼奧的聖母》、《美麗的女園丁》、《阿爾巴聖母》
⑧ 正比例採集重構又叫什麼
一、色彩的採集與重構的構成方法，是在對自然色和人工色彩進行觀察、學習的前提下，進行分解、組合、再創造的構成手法。也就是將自然界的色彩和由人工組織過的色彩進行分析、採集、概括、重構的過程。
1、是分析其色彩組成的色性和構成形式，保持原來的主要色彩關系與色塊面積比例關系。保持主色調，主意象的精神特徵，色彩氣氛與整體風格。
2、打散原來色彩形象的組織結構，在重新組織色彩形象時，注入自己的表現意念，是構成新的形象、新的色彩形式。
二、色彩的採集：藝術大師畢加索說過：「藝術家是為著從四面八方來的感動而存在的色庫，從天空、大地，從紙中、從走過的物體姿態、蜘蛛網……我們在發現它們的時候，對我們來說，必須把有用的東西拿出來，從我們的作品直到他人的作品中，」可見，從平凡的事物中去觀察、發現別人沒有發現的美，逐步去認識客觀色彩中美好的色彩關系，和借鑒美好的形式，將原色彩從限定的狀態中走出。注入新的思維，重新構成，使它達到完整的、獨立的、富有某種意義的創作目的。
色彩的採集范圍相當廣泛。一方面，借鑒古老的民族文化遺產，從一些原始的、古典的、民間的、少數民族的藝術中祈求靈感；另一方面中從變化萬千的大自然中，以及那些異國他鄉的風土人情，各類文化藝術和藝術流派中吸取養份。總的歸納起來有以下形式：
1、對自然色的採集：浩瀚的大自然的色彩，豐實多采，幻化無窮。向人們展示著迷人的色彩。如蔚藍的海洋、金色的沙漠、蒼翠的山巒、燦爛的星光……具體的分，有春、夏、秋、冬，還有晨、午、暮、夜的色彩，有植物色彩、礦物色彩、動物色彩、人物色彩等。這些美麗的景色能引起人們美好的情感。歷來許多攝影藝術家長期致力於大自然色彩的研究，對各種自然色彩進行提煉、歸納、分析。從取之不盡、用之不竭的大自然中捕捉藝術靈感，吸收藝術營養，開拓新的色彩思路。
2、對傳統色的採集：所謂傳統色，是指一個民族世代相傳的，在各類藝術中具有代表性的色彩特徵。我國的傳統藝術包括原始彩陶、商代青銅器、漢代漆器、陶俑、絲調、南北朝石窟藝術、唐代銅鏡、唐三彩陶器、宋代陶器等等。這些藝術品均帶著各時代的科學文化烙印，各具典型的藝術風格，各具特色的色彩主調和不同品味的藝術特徵。這些優秀文化遺產中的許多裝飾色彩都是我們今天學習的最好範本。
3、對民間色的採集：民間色，是指民間藝術作品中呈現的色彩和色彩感覺。民間藝術品包括剪紙、
⑨ 色彩構成（吳冠中色彩歸納與總結）
色彩構成（Interaction of Color），即色彩的相互作用，是從人對色彩的知覺和心理效果出發，用科學分析的方法，把復雜的色彩現象還原為基本要素，利用色彩在空間、量與質上的可變幻性，按照一定的規律去組合各構成之間的相互關系，再創造出新的色彩效果的過程。色彩構成是藝術設計的基礎理論之一，它與平面構成及立體構成有著不可分割的關系，色彩不能脫離形體、空間、位置、面積、肌理等而獨立存在。
自然界的物體五花八門、變化萬千，它們本身雖然大都不會發光，但都具有選擇性地吸收、反射、透射色光的特性。當然，任何物體對色光不可能全部吸收或反射，因此，實際上不存在絕對的黑色或白色。
(9)畫家作品色彩採集與重構圖片簡單擴展閱讀
多種色彩組合後，由於色相、明度、純度等不同差別，所產生的總體效果稱為綜合對比。這種多屬性、多差別對比的效果，顯然要比單項對比豐富、復雜得多。事實上，色彩單項對比的情況 很難成立，它們不過是色彩對比中一個側面，因此，在創作和設計實踐中都較少應用。設計師在進行多種色彩綜合對比時要強調、突出色調的傾向，或以色相為主，或以明度為主，或以純度為主，使某一主面處於主要地位，強調對比的某一側面。
兩種以上色彩組合後，由於色相差別而形成的色彩對比效果稱為色相對比。它是色彩對比的一個根本方面，其對比強弱程度取決於色相之間在色相環上的距離（角度），距離（角度）越小對比越弱，反之則對比越強。
⑩ 世界十大抽象派畫家
抽象派是興起於二十世紀的一種繪畫風格，泛指想脫離模仿自然的繪畫風格而言，包含多種流派，並非某一個派別的名稱：它的形成是經過長期持續演進而來的。但無論其派別如何，其共同的特質都在於嘗試打破繪畫必須模仿自然的傳統觀念。
抽象作風是打破繪畫必須模仿自然的傳統觀念，1930年代和二次大戰以後，由抽象觀念衍生的各種形式，成為二十世紀最流行、最具特色的藝術風格。
庫波卡（F.Kupka1871～1957），捷克畫家。運用色彩理論和音樂式和諧造成獨特的幾何風格，例如《繪圖構成主題二》（1911～12，華盛頓國家畫廊）、《垂直線語系習作》（1911）。
克利（P.Klee，1879～1940），瑞士畫家。運用色彩調和及抽象的手法，創作了許多含有哲理性和富稚拙趣味的作品，例如：《金魚》（1925，油彩加水彩，紙裱在卡紙板上，48.5×68.5cm，漢堡美術館）、《幹道與支道》（1929，油畫，布，83×76cm，科隆，里伯爾茲美術館）、《死與火》(1940，油畫，83×67cm，科隆，里伯爾茲美術館)